Dance is not only a form of artistic expression, but also a powerful tool to enhance storytelling, mood, and character development in a theatrical production. Whether you are working on a musical, a drama, or a comedy, there are many innovative ways to incorporate dance into your show. Here are some examples and tips to inspire you.
Dance can help you convey plot points, themes, and emotions that might be difficult to express with words alone. For example, you can use dance to show a flashback, a dream, a conflict, or a resolution. You can also use dance to create transitions between scenes, locations, or time periods. Dance can also help you establish the genre, tone, and style of your production. For example, you can use dance to create a contrast between realism and fantasy, or between comedy and tragedy.
Desplegar estados emocionales también es danzar. Desarmar(se) en fragmentos mientras bailamos supone una experiencia redundada por estructuras (orgánicas) internas que, al asomar, transforman lo espeso en ligero y lo inasible en materia. Es, en este espacio sin zona precisa ni lugar en concreto, donde el cuerpo encuentra el terreno en el que formalizar su electricidad, rubores, oscuridad, odas y lamentos. Hiperestesia, devenir y evolución Desde hace siglos se piensa y define la danza como una revelación o hecho artístico en la/el que se asiste a la fusión entre cuerpo y esencia; idea y materia, creación y remedo, y así, más contrastes y analogías posibles, encarnadas en (un) alguien que baila o “simplemente” se mueve.
Dance can also help you define the identity and personality of your characters, as well as the cultural and historical context of your production. Therefore, it is important to choose a dance style that matches your vision and goals. For example, you can use ballet to create elegance, grace, and sophistication. You can use hip-hop to create energy, dynamism, and rebellion. You can use folk dance to create authenticity, tradition, and community. You can also mix and match different dance styles to create contrast, diversity, and innovation.
Un cuerpo pulsa por salir de su propia forma y materia cuando busca expresarse. Darse a conocer in praesentia tanto en un espacio sin espacio como en un tiempo fuera del propio tiempo. Los cuerpos pulsan al ritmo de la danza, así como de la misma historia. Los cuerpos, el cuerpo-danza, dice, habla y también voguea. Pero ?de qué se trata voguear? O para ser más prolijos y empezar por el principio, si es que lo hubiese: ?qué es el voguing? El voguing nos indica que somos parte de un cuerpo colectivo que puja, que manifiesta, que dice “acá estoy”, pero ?de que qué manera? ?Bajo qué nombres? Y acá nos animamos a jugar. Como ?Cuerpos performáticos? ?Cuerpos danzantes? ?Cuerpos sensibles, protagonistas? ?o solo cuerpos ciertamente…ciertos?
Dance is a complex and specialized art form that requires skill, creativity, and experience. Therefore, it is advisable to collaborate with a professional choreographer who can help you design and execute your dance sequences. A choreographer can help you select the appropriate music, movements, and formations for your production. They can also help you train and coach your performers, and ensure that the dance is safe, effective, and engaging for the audience.
Con Medusas (2009) de Margarita Bali, la libertad viene de la mano del video arte y su, embrionaria, forma experimental. En una suerte de respiro geo-métrico, de concepto de “edición como parte del guion” al que refiere Wanda Trelles (una de las directoras del FICCE), la fantasía toma posesión de la historia que se narra en un tempo y lugar inespecíficos, por condición y peso propio de la definición de irrealidad. Esta hipnótica con ojos fuera del (propio) cuerpo, entendido como materia de materia(s), integradas a una corporalidad de envergadura universal en sincronía con otras tantas más de distintas procedencias. Medusas hace mundo sobre una estructura marina, subjetiva, revelada para ser aparecida en el nado de antropomórficos seres.
Dance is not an isolated or independent component of a theatrical production. It is part of a larger whole that includes other elements such as dialogue, music, lighting, costumes, props, and scenery. Therefore, it is essential to integrate dance with these elements to create a coherent and harmonious show. For example, you can use dialogue to introduce or explain the dance, or to create a dialogue-dance hybrid. You can use music to set the rhythm, mood, and atmosphere of the dance. You can use lighting to highlight or accentuate the dance, or to create different effects and moods. You can use costumes, props, and scenery to enhance the visual appeal and meaning of the dance.
En BLANCO (obra performática de Valeria Martínez) los cuerpos se dejan infiltrar por la retórica perenne de la composición coreográfica. Se cuentan a sí mismos frente a nosotrxs que también somos ellxs (?o no?). Bailarinxs balbucientes que desafían la hipérbole con impresiones sustantivas, impares, singulares, gravitatorias, (i)legítimas. Una vez concluida la obra, algo de mí, en mí, sobre mí se percibe una metáfora fosforescente, un fin de rastro que me sigue cual eco enunciativo del danzar que pregunta y pregunta: ?Tiene blanco la danza? ?Y danza el blanco? ?Cuántos blancos tiene BLANCO?
Dance is not limited to a conventional stage or auditorium. You can experiment with different formats and spaces to create a more immersive and interactive experience for your audience. For example, you can use a circular or thrust stage to surround your audience with the dance, or a black box or studio theatre to create a more intimate and flexible space. You can also use alternative or unconventional spaces such as a park, a street, a museum, or a warehouse to create a more realistic or unexpected setting. You can also use multimedia and technology to create a more dynamic and innovative presentation of the dance.
CTRL.Shift.C se inserta dentro de una cadena de pruebas que llevan como eje la relación entre intérpretes a partir de un dispositivo escénico que permite la captura de la obra y su consecuente reutilización dentro de la propia estructura. ?Qué entidad toma aquello que acaba de suceder en un espacio y tiempo determinado para ser registrado y volver a suceder una vez más? La estructura de la obra se construye con una lógica de funcionamiento similar a la de un sampler: se ejecuta una escena para ser grabada y luego reproducida nuevamente para agregar sobre ella una nueva capa. En relación con esto se alternan dos modalidades de reiteración: la repetición a cargo de lxs intérpretes y el uso de ?material de archivo?.
Liberté O corpo é ausente, figura imaginativa e física. Energia que se move perante o espa?o. Dilata??o de vontades. Uni?o do pensar, sentir e querer. Sentimentos que ecoam no mundo externo. é dan?ar, atuar; é presen?a. Autoconhecimento. é a linha embolada na palma da m?o. Corpo é arte, é vida. é tudo o que podemos a partir do que sentimos. é mental e físico. S?o inúmeras possibilidades que podemos descobrir.